《時間遊戲》是陳弘耀於2011年出版的短篇漫畫集，裡面收錄了他六篇作品、一篇訪談紀錄及部分手稿，內容看似雜亂，但卻極為珍貴，對於想了解陳弘耀創作理念及實踐成果的人來說，這是一本不可多得的好書。

延續上篇談論收錄於《時間遊戲》中的〈轉世〉、〈對話〉與〈竹蜻蜓〉三篇短篇後，接下來要談論的便是〈冬眠〉、〈飛人〉與〈機械．人〉三篇作品。

一、〈冬眠〉裡的實驗室，為什麼要畫得那麼嚴整規矩？

〈冬眠〉講述一位醉心冷凍人體實驗的年輕科學家伊凡，為了達到目的不擇手段，連續殺害闖入實驗室的不知情者：無名氏與老同學彼得，最後以自己為實驗，進入冷凍櫃裡冰封，等待日後重生。不料身體雖已冷凍，意識卻仍然清楚，他注定被活埋在不見天日的冷凍櫃裡，整整五十年。陳弘耀說這個故事是由簡單發展到複雜，先有主角伊凡，才發展出同學彼得等一干角色。換句話說，冬天、死亡、實驗室、乃至彼得，幾乎都是為了配合伊凡才出現的元素。那麼陳弘耀是如何表達那種理性冷酷，壓得人透不過氣來的氛圍呢？

伊凡被設定為一名科學狂，因此在造型上特別強調他的精神狀態，最容易辨識的便是他精神奕奕的雙眼，其眼珠幾乎全部外露，確實顯現出一股迫人的狂熱。再加上他穿著整齊、包覆嚴實，其規整有序的性格，便非常清楚。但正如同陳弘耀自道，實驗室裡呈現的是他的精神狀態。因此實驗室裡的設備、器材、管線與冷凍櫃，都是以幾何造型出現，而且都是以規整的直線與橫線表示，這些條條框框的造型，橫切豎直的布滿在每一圖格中，畫面絕少開朗疏闊，伊凡的精神狀態或許就是如此，井然有序，理性冷酷，確實給人以強大的壓迫感（圖1）。

圖1，〈冬眠〉，《時間遊戲》，頁40。

這種壓迫感，透過對照組的彼得就更為明顯。彼得被設計成一副披頭散髮衣衫不整的邋遢模樣，他的造型與這個實驗室可謂格格不入，他不但造型不規整，連他書寫在板上的計算式，都是人性化的潦草筆跡，與規整的實驗室不合。換句話說，彼得在伊凡的實驗室裡是個異數，他終究是不合適的，就像是描繪他被實驗室裡的冷凍櫃絆倒一般，在這裡他並沒有足夠轉圜的空間，注定要被排除出去。實際上，就伊凡的精神狀態而言，冷酷理性的他也容不下人性化的彼得。而陳弘耀為了呈現整個故事科學理性、邏輯實證的沉重氛圍，還刻意以細碎的筆觸畫出陰影，突顯人物的厚實感，而這件作品也是《時間遊戲》裡最為沉重的作品。或許是要沖淡這種沉重的氣氛，2012年陳弘耀還戲謔的重製最末一頁，嘲笑伊凡人算不如天算的愚蠢，竟把自己活埋地下五十年。

二、〈飛人〉裡的台灣風光，為什麼要畫得那麼精緻寫實呢？

〈飛人〉講述一位玩世不恭的年輕人阿吉，撿到時光暫停器，一按之下，自己竟然像超人般在天空飛翔，最後墜落入海中。原來是因為慣性原理，使他在全球暫止之際，被摔向天際。陳弘耀設定這個故事的旋律是「反英雄」的，縱使這位阿吉能夠飛越整個台灣上空，也依然滑稽可笑。看過陳弘耀最初發想的草圖，飛行時經過的地方並沒有特定，但最後完成圖卻標定為台灣的地理景觀。這些地理景觀，有台北市、碧潭、大霸尖山、八仙森林、日月潭、鳳凰谷、阿里山、玉山、扇平公園、知本、墾丁、屏東外海，由北到南依序出現，目的是顯示他飛行的方向。有趣的是，陳弘耀將這些景點畫得彩色寫實，極為費工（圖2），為什麼呢? 除了要秀他的繪畫技巧外，應該還有別的考慮。

這件作品的主旋律是「反英雄」，那麼如何反諷英雄呢？除了將阿吉嘴臉畫得失神與變形外，更須將故事舞台放在英雄漫畫的風格系統中。阿吉既然能飛行整個台灣，那麼最適合的系統就是美國DC漫畫中的超人系列。當時DC漫畫已經是精緻寫實的華麗版本，意味這就是描繪超人漫畫的標準款，只有此類畫風才能被讀者清楚辨識。

圖2，〈飛人〉，《時間遊戲》，頁56。

陳弘耀既然要在DC漫畫舞台上反英雄，那麼他這麼費工繪出精緻細膩的台灣風景就可以理解了。他是要在DC漫畫的風格中畫出反英雄阿吉。當我們越過玉山看到天上阿吉狗吃屎的飛行姿勢時，就會知道陳弘耀其實是要告訴我們：天上飛的不是鳥，也不是飛機，就是那個玩世不恭的飛人阿吉。

三、〈機械．人〉新版本中為什麼少了「效果線」？

新舊兩版〈機械．人〉特別收錄於《時間遊戲》的後記中。一個人走在沙地上，踽踽獨行，忽然有太空船來襲，他丟下行囊，舉槍反擊。雙方交戰後，他一臂遭擊斷，但太空船也墜落。他走到擊落處，尋回機械斷臂，讀者才明白他也是一名機械人（圖3）。這是一部默劇般的小品，舊作畫於1983年，新作畫於2011年，相隔近三十年。

圖3，〈機械．人〉新舊版對照，《時間遊戲》，頁74及頁80。

兩作差異非常大，除了陳弘耀經常解釋的不同時期的心情變化外，是不是還有其他沒有說明的原因呢？實際上，我們只需稍作對比就可以發現，最大的差異，除男女之別外，應該就是「效果線」的消失。所謂效果線就是為了增加視覺效果，而製作的一些符號。在這裡主要是指他為了增加速度感，而繪製的「排線」而言。這種效果線，在舊作中頻繁出現，讓整部作品產生強烈的動感。但是在新作中，效果線則幾乎完全消失，原來的速度感不再出現，雖然故事仍是一場生死拚搏，但卻產生舊作缺乏的平淡與詩意。陳弘耀已多次聲明，對於舊作效果線的體會，大大增強他掌握漫畫敘事的節奏，也提振他敢於創作《大西遊》與《一刀傳》的勇氣。那麼，他為什麼要在新作中將此技法改動呢？

很明顯的，陳弘耀這個轉變，是為了想一探歐洲漫畫市場所致。因為效果線是日本漫畫的主流，但在歐洲漫畫市場卻不流行，有些文化學者還據此區隔歐洲漫畫與日本漫畫的不同。2011年，陳弘耀想藉法國安古蘭漫畫展向歐洲漫畫市場投石問路，那麼將日本漫畫風格修改成歐洲漫畫風格，不是一項頗具誠意的轉變嗎？何況修改後的新作效果奇佳，自有舊作所沒有的特殊氛圍。當新舊兩作同時刊載於《時間遊戲》，並呈在歐洲漫畫觀眾眼前時，那麼其間的轉換、新作的效果，以及他多元的創作技法，無疑地都會為他獲得更多專業漫畫社群的關注，而後來的發展也證明此策略是成功的。

相較於同一時代的台灣漫畫家，陳弘耀對於漫畫的創作理念，顯得非常獨特。因為這種創作理念固然好，但是真的實踐下去，將會是一項耗時費力的事。除了每一篇作品都必須構想出一個有趣的主角，設定他的人格特質、鋪排他活動的舞台之外，還得為整個故事選定一個適合的畫風，決定一個適當的圖格敘事節奏才能成事。試問這麼做，一般漫畫家如何趕得及雜誌社的截稿時間呢？更不要說如此費工換來的經濟收益，又如何養活得了自己或一個家庭呢？令人驚訝的是，陳弘耀竟然一生堅持，無怨無悔，縱使是節衣縮食，頻遭市場冷落都不改其志，《時間遊戲》就是他這分堅持最好的展示。可惜天不假年，作品數量太少，每當看見如此精工打磨、充滿創意的作品不為業界賞識，便感慨萬千。陳弘耀的早逝，確實是台灣漫畫界的一大損失，因為我們實在很難在台灣找到對漫畫藝術如此執著的漫畫家了。

註釋

1. 筆者以為， 除以上介紹的六篇作品外，創作於2013年，並發表於《Taiwan Comix 6》的作品〈麵線伯奇遇記〉，也應該放進再版的《時間遊戲》中，以完整收錄他這個時期的所有作品。